"Fotografie funktioniert wie ein Fenster in unser Gedächtnis"

Katharina Cichosch: Herr Ortiz, können Sie sich an der allererste Gebäude erinnern, das Sie je fotografiert haben?

Aitor Ortiz: Ja, ich erinnere mich sehr gut, es war Anfang der 90er Jahre, ein verlassenes Krankenhaus, das nie fertiggestellt wurde.

Sie sind Architekturfotograf in zweierlei Sinn: Klassisch-dokumentarisch zum Beispiel für Architekturpublikationen und mit einem stark künstlerischen Ansatz. Wie kommen beide Vorgehensweisen für Sie zusammen – oder sind das zwei völlig getrennte Arbeiten?

Aitor Ortiz: Die professionelle Absicht ist nicht dieselbe, aber sie sind sich in ihrer gemeinsamen Absicht, das Gefühl in einem Raum zu zeigen, nahe. Bei der professionellen Arbeit ist das Gebäude eine zu dokumentierende Information, ein Werk, das in der Regel vor kurzem fertig gestellt wurde, mit seinen Beweggründen, seinem Kontext usw.; eine ganze Reihe von Anforderungen, auf die der Architekt reagiert hat und die ich versuchen muss, darzustellen; während ich bei der Arbeit an meinen eigenen Werken in der Regel Gebäude wähle, die anonym sind oder deren Urheberschaft mehr oder weniger diffus ist. Es sind Strukturen, die mir völlig zur Verfügung stehen, um eine neue Bedeutung zu erzeugen, die oft nichts mit ihrer ursprünglichen Funktion zu tun hat. Es gibt jedoch eine Art Promiskuität, manchmal verwende ich Bilder aus professionellen Arbeiten, um sie in den anderen zu entwickeln. Die Absicht mag eine andere sein, aber das Auge, das den Raum betrachtet, ist das gleiche.

In Ihren Fotografien, wie kürzlich bei Ihrer Galeristin Heide Springer House of Galleries in Frankfurt zu sehen, gehen Sie sehr nah ran, fokussieren einzelne Strukturen, Bauteile, Details oder betrachten sie aus einem ungewöhnlichen Blickwinkel. Spielt die Auflösung eine Rolle bei der Betrachtung?

Aitor Ortiz: Die Auflösung ist eng mit dem Maßstab verbunden. Der Teil der Architektur, der mich am meisten interessiert, ist die Struktur, das Skelett, die Essenz und verwandte Aspekte wie Modularität, Sequenz, Fragmentierung ... Diese Aspekte haben keinen Maßstab, und ich habe sie in großen Gebäuden und in kleinen Metallstücken fotografiert, die bei der Bearbeitung eines Industrieelements übrig geblieben sind.

Man könnte dies als eine Entmystifizierung der Architektur verstehen. Die Bilder verweigern die grandiose Totale.

Aitor Ortiz: Die Isolierung und Dekontextualisierung der von mir fotografierten Architekturen stellt deren funktionalen und konstruktiven Sinn in Frage, und der Verzicht auf Totalen ist beabsichtigt. In der Fotografie ist das, was das Bild uns zeigt, ebenso wichtig wie das, was wir nicht sehen und mit unserer Vorstellungskraft rekonstruieren müssen. Wenn man ein zehnstöckiges Gebäude in seiner Gesamtheit fotografiert, ist es ein zehnstöckiges Gebäude. Wenn Sie aber den Bildausschnitt auf den 9. Stock beschränken, wird Ihr Gehirn versuchen, sich ein 10-, 20- oder 50-stöckiges Gebäude vorzustellen.

Ihre Bilder sind also frei von anekdotischem Wissen. Oder besser gesagt, wir können gar nicht so viel über sie wissen. Dadurch geschieht etwas Spezifisches beim Betrachten: in der Begrenzung scheint der Blick frei zu werden – die korrekte Auflösung spielt, wie Sie sagen, keine Rolle.

Aitor Ortiz: Eine Fotografie funktioniert wie ein Fenster in unser Gedächtnis, so dass jeder von uns aus dem, was auf dem Bild zu sehen ist, das Bild rekonstruiert, indem er seine eigenen Erinnerungen und Erfahrungen einbezieht, um die Szene zu vervollständigen. Meine Arbeit ist nicht streng dokumentarisch, und ich gebe in der Regel keine Informationen über die Orte, die ich fotografiere, weil ich das in jedem Bild als anekdotisch betrachte. Aber in meinem kreativen Prozess hat die Arbeit in Bilbao, einer Stadt mit einer starken industriellen Vergangenheit, meine fotografische Arbeit als Ganzes bestimmt.

Ähnlich auch in Ihrer aktuellen Ausstellung "Between archetypes and artifacts" in Madrid, deren Bilder Detailaufnahmen von Aluminium, Stahl, Spiralen und Strukturen zeigen. Der Mensch ist in Ihren Fotografien nicht zu sehen. Handelt es sich um eine dystopische, post-menschliche Welt – oder ist er in den Artefakten präsent, die Sie im Titel nennen?

Aitor Ortiz: Diese Ausstellung führt uns zurück in die industrielle Vergangenheit, die die Welt im 20. Jahrhundert geprägt hat, aber auch zu den weggeworfenen Materialien, die diese Arbeit hervorgebracht hat. Was hier gezeigt wird, ist also nicht das sichtbare Gesicht der Techniken und Technologien, auch nicht die fertigen Produkte oder die Sprache des Designs, sondern das, was hinter den Kulissen passiert ist: die Ästhetik nicht der Konsumgüter, sondern der Prozesse selbst, der Kräfte, Formen und Oberflächen, die sie geformt haben. Platten und Rahmen, Teile und Zahnräder, Späne und Splitter - aus ihrem ursprünglichen Kontext und ihrer ursprünglichen Funktion herausgelöst - werden nun als Objekte präsentiert, die Wahrnehmungen hervorrufen und gleichzeitig herausfordern.

Sie bewegen sich mit Ihrer Arbeit naturgemäß im dreidimensionalen Raum, die in die zweite Dimension verflacht wird. Bis die Fotografie dann ausgestellt wird. Welche Rolle spielt dieser Raum, das Setting einer Ausstellung für Ihre Arbeit?

Aitor Ortiz: Ich glaube, dass die Zweidimensionalität eine Grenze für die Wahrnehmung eines Raumes darstellt, aber die größte Grenze der Fotografie ist der Blickwinkel, er ist einzigartig. In meiner Arbeit geht es ständig um die Beziehung zwischen dem fotografierten Raum oder Gebäude, dem Maßstab und der Position der Fotografie im Ausstellungsraum und schließlich mit dem Betrachter. Die Fotografien handeln von Architektur und sind manchmal in die spezifische Architektur des Ausstellungsraums eingeschrieben. Meine Absicht ist es, die fotografischen Werke in einem dreidimensionalen Raum „wachsen“ zu lassen; durch die Einführung von realem Maßstab und realem Licht verändern die Werke unsere Wahrnehmung der Architektur.